Never Apart Winter Opening • Vernissage d'Hiver @ Never Apart, Montréal [17 janvier]

Never Apart Winter Opening • Vernissage d'Hiver


933
17
janvier
18:00 - 22:00

 La page de l’événement
Never Apart
7049 Rue Saint-Urbain, Montreal, Quebec H2S 3H4
Rejoignez Never Apart pour le vernissage de cinq nouvelles expositions et le lancement de la programmation d'hiver 2019!

Les expositions d'hiver se tiendront du jeudi 17 janvier au samedi 6 avril.

Avec DJ Empress Cissy Low
Entrée gratuite.
Bar sur place, argent comptant seulement.

— Join Never Apart for the opening of five new exhibitions and the launch of our Winter 2019 programming!

The Winter exhibitions will run from Thursday, January 17th until Saturday, April 6th.

With DJ Empress Cissy Low

Free entry.
Bar on-site, cash only.
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Michael Chambers Photography
Shadows to Silver/Nuance

“As an artist, I use my camera as a tool to look at people and my surroundings again for the first time. My objective is to celebrate the various aspects of the human condition, defying categorizations. Being truly motivated by the camera’s ability to capture a moment in time, I am therefore portraying stories in a single image frame. I became fascinated with documenting moments of stillness, the distortion of shapes and the reflection of light echoing visions of solitude. I find that my quest for harmony and the impact of life’s repeatedly curving path have informed the course of my creative expression.

I am here and we are present as history walks by our side as the future stands before us.

My wish is to capture fantasies that ponder moments of life’s distractions. To distort, reshape and dance in the reflection of light that echoes the sound of silence is my ultimate goal. The camera…

I have chosen to photograph subjects whether it be in black and white or with the kaleidoscope of characters that is colour, setting them against a stark background, or the juxtaposition with tumultuous skies. Capturing our vulnerable forms against the harsh environment is a celebration of human survival. Light and shadows being key elements in my work, it establishes a relationship, and with that comes conflicts and perhaps even contradictions.

As I challenge the concept of storytelling in a single frame, I want to invite the viewer on my journey of emotions. This evolves from the darkness of our fears and desires which moves toward the light that reflects our interpretations.”

— En tant qu’artiste, je me sers de ma caméra comme d’un outil pour revisiter les gens et mon environnement avec un regard nouveau. L’objectif est de célébrer les différents aspects de la condition humaine tout remettant en cause ses classifications. Sincèrement motivé par la capacité de l’appareil à saisir un moment précis dans le temps, j’ai entrepris d’illustrer des histoires à travers le cadre d’une image unique. Au fil de cet exercice, je suis devenu fasciné par la documentation de ces moments de fixité, par la distorsion des formes et par la réflexion de la lumière qui tend à créer des visions de solitude. Je constate que ma quête d’harmonie et l’impact du cours itératif de l’existence ont influencé la trajectoire de mon expression créative.

Je suis ici et nous sommes le présent tandis que l’histoire marche à nos côtés et que le futur se dresse devant nous.

Je souhaite capturer l’image de rêves qui bouleversent des instant de distractions quotidiennes. Altérer, refaçonner et danser à même le reflet de la lumière qui fait écho au son du silence, voilà mon objectif. La caméra…

J’ai choisi de photographier des sujets soit en noir et blanc, soit avec le kaléidoscope de personnages qu’est la couleur, sur un arrière-plan austère ou sur un ciel mouvementé. Ce saisissement de nos formes vulnérables face à un environnement hostile se veut une célébration de la survie humaine. La lumière et les ombres sont des éléments clés de ma pratique qui fonctionnent à la manière d’un dialogue d’où surgit des conflits et peut-être même des paradoxes.

Alors que je remets en cause la notion de narrativité en la réduisant en un simple cadrage, j’invite le spectateur dans mon voyage d’émotions; à travers l’évolution de l’obscurité de nos peurs et désirs qui transhument vers cette lumière qui reflète nos interprétations.

Kamissa Ma Koita
TransFormation
Massimadi Montréal · Festival des films et des arts LGBTQ afro

‘‘From a queer and decolonial perspective, I question the channels of social domination and the various forms of control in modern societies, focusing primarily on the condition of subordinated groups. My experimental and undisciplinary practice is fueled by my socio-political context, feminisms, alterglobalization movements, and pop culture. My intersubjective approach leads me to either collaborate or work in a collective as I reflect on social entity as creative material.

The TransFormation series addresses the legitimacy and self-determination of the decolonization genre, as collage aims to be a tactic of self-preservation and resistance. Cut up. Segment. Deconstruct to reassemble. The subversive notion of these collages’ representations is enhanced by the genre’s agency as an instrument of social transformation. This becomes a way to create our own world, a space and time where we can be recognized as full human beings rather than abominations. ’’

— « Dans une perspective queer et décoloniale, j'interroge les vecteurs de domination sociale et les différentes formes de contrôle dans les sociétés modernes. Je me penche plus particulièrement sur la condition des groupes subalternes. Ma pratique expérimentale et indisciplinaire s’alimente de mon contexte sociopolitique, des féminismes, des mouvements altermondialistes et des cultures populaires. Mon approche intersubjective m’amène à travailler en collaboration et/ou en collectif et à réfléchir le corps social comme matériau.

La série TransFormation aborde la légitimité du genre décolonisé et son autodétermination. Le collage se veut ici une tactique de préservation de soi et de lutte. Découper. Segmenter. Déconstruire pour réassembler. L’aspect subversif des représentations de ces collages est sublimée par l’agentivité du genre comme outil de transformation social. Cela devient une manière de se créer un monde à nous, un espace temps où nous sommes des êtres à part entière et non des abominations.»

Tobi Aremu
Negotiation
Massimadi Montréal · Festival des films et des arts LGBTQ afro

Réalisateur / Dir: Tobi Aremu
Interprètes/ Performers: Quenton Stuckey & Keith Alexander
Durée / running time: 6:33 min
Année / year: 2017
Pays / country: USA

An experimental art film that showcases a poetic, abstract, and physical exploration of black masculinity through contemporary movement and archival audio.

In collaboration with the 11th edition of Massimadi: An Afro LGBTQ+ Film & Art Festival, this film will be projected in the screening room for the duration of the winter exhibition.

— Un court métrage artistique qui présente une exploration poétique de la masculinité au sein des hommes noirs à travers la danse contemporaine.

Dans le cadre de la 11e édition de Massimadi: festival des films et des arts LGBTQ+ afro, ce film sera présenté dans la salle de projection toute la durée de l’exposition d’hiver.

Rojin Shafiei
I wait for the time / J’attends le temps

Rojin Shafiei is an Iranian artist living and working in Montreal. In her videos, art is a vehicle for the translation of cultural messages and is used to present diverse feminine subjectivities. She presents these themes both through a literal documentary style and as symbols. She is particularly inspired by the observation of routines, on both of individual and of cities.

Rojin received her BFA in Intermedia from Concordia University in 2017 and has screened her work at les Rendez-Vous du Cinéma Québécois (Montreal), Mzansi Women’s Film Festival (Johannesburg), Limited Access Video Festival (Tehran) and Josiah Media Festival (San Antonio). She won the grand prize of Startupfest, Artup section in July 2018.

— Rojin Shafiei est une artiste iranienne qui réside et travaille à Montréal. Dans ses vidéos, l’art est un véhicule de traduction des messages culturels et sert à présenter diverses subjectivités féminines. Elle aborde ces thèmes à la fois par une approche documentaire et par des symboles. Elle est principalement inspirée par l’observation des routines, celles des individus et des villes. Rojin a complété un baccalauréat en beaux-arts spécialisé en intermédias de l’Université Concordia en 2017 et a présenté ses œuvres aux Rendez-vous du cinéma québécois (Montréal), au Mzansi Women’s Film Festival (Johannesburg), au Limited Access Video Festival (Téhéran) et au Josiah Media Festival (San Antonio). En juillet 2018, elle a gagné le grand prix de la division Artup du Startupfest.

Rihab Essayh
Délusions botaniques

Rihab Essayh’s project Délusions botaniques presents a virtual figure attempting to attract the viewer into her botanical environment which is sterile, ambiguous and artificial. The project is addressing the subject of unsustainable utopias, where nature and technologies seem to exist in a symbiotic state for the purpose of nurturing an ideology of futuristic living, as in the experiment of Biosphere 2 during the 1990’s in Arizona.

This project is composed of the following art piece Jardin Automate, Jane, and Bionautes presenting a botanical environnement made out of diverse elements out of Mylar and projections, putting forward a female figure and her peers.

Automaton Garden mimics the structure of plants found in a botanical garden, yet its transparent and artificial materiality is inspired by the digital. Viewers are enveloped in a technological environment, experiencing nature in the contexts of future technologies and artificial intelligence. Essayh’s inspiration for this environment came from questioning how plants are rendered through digital animation technologies—a crisscross of flat images, so to speak—and strategically harnesses unnatural materials like Mylar, acetate, coroplast, and acrylic.

Jane is a “tableau vivant” greeting the viewers into her dwelling. This wall size projection presented as an artificial muse positioning a spokesperson as an emblematic figure. The figure leers at the viewer in a hollow matter. Rendered in a linear aesthetic mirroring the synthetic atmosphere of its environment. Accompanied with Bionautes, nymph like figures inhabiting the gallery space.

— Le projet Délusions Botaniques de Rihab Essayh présente une figure virtuelle qui tente d’attirer le spectateur dans son environnement stérile, ambigu et artificiel. Ce projet adresse le sujet des utopies non-viables, où la nature et la technologie semblent être en symbiose pour cultiver une idéologie des habitations futuristes, telle que l'expérimentation Biosphere 2 dans les années 1990 en Arizona.
Ce projet comporte les œuvres suivantes; Jardin automate, Jane et Bionautes, présentant un environnement botanique fait à partir de divers objets en Mylar et de projections qui mettent en scène un personnage féminin et ses pairs.
L’installation Jardin automate est calquée sur la structure de plantes que l’on trouve dans un jardin botanique, mais son aspect transparent et artificiel est inspiré du monde numérique. Les spectateurs sont plongés dans un environnement technologique où ils découvrent la nature dans un contexte de technologies futures et d’intelligence artificielle. Pour cet environnement, Essayh s’est inspirée de son questionnement sur la façon dont les plantes sont reproduites par l’animation numérique – un enchevêtrement d’images bidimensionnelles, en quelque sorte – et recourt de façon stratégique à des matériaux artificiels, comme le Mylar, l’acétate, le coroplaste et l’acrylique.

Jane est un tableau vivant accueillant le spectateur dans son sanctuaire botanique. Cette projection à la grandeur d’un mur présente une muse artificielle similaire mettant en scène un porte-parole en tant qu’une figure emblématique. La figure lorgne le spectateur avec son regard à la fois transperçant, mais serein. Le rendu de la muse linéaire fait un rappel à son environnement synthétique. En complément, Bionautes sont des figures ressemblant à des nymphes flânant dans l'espace de la galerie.

House of Venus
Wiggle 25 Year Anniversary Retrospective
Wiggle Rétrospective 25e anniversaire

The House of Venus is a Canadian multidisciplinary art collective formed in late 1992. The mission of the collective is to create positive energy through arts and culture. In the early years, the “Venus Kids” started putting on theme parties, fashion shows and performances in the Windsor/ Detroit area before moving to Vancouver in 1995. There, they grew their mission by exploring new performance and media pursuits including the formation of a formal drag house and creating multiple films and videos. After over 25 years of enhancing underground Canadian Queer culture, they celebrate their milestone in this exhibition with artefacts from their quarter of a century effort to change the world we live in.
The Wiggle Festival
Conceived by The House of Venus in 1994 with the Arts Council of Windsor, “Wiggle” was born as an annual runway and performance event where artists and designers created wearable art. The collective was hugely inspired by designers like Thierry Mugler and Jean Paul Gaultier, The Warhol Factory and the drag, vogue and club kid scenes in New York. The annual affair then moved with the house to Vancouver where it became an annual fundraiser and legendary event on the West Coast for almost 2 decades. After 20 years, Wiggle began a new chapter with Centre Never Apart in Montréal and in 2019, the festival will celebrate its 25th anniversary at The Museum of Beaux Arts.

— La House of Venus est un collectif artistique multidisciplinaire canadien qui a été fondé à la fin de 1992. La mission du collectif est la création d’énergie positive par l’art et la culture. Durant les premières années de la House, les « Venus Kids » organisent des soirées thématiques, des défilés de mode et des spectacles dans la région de Windsor-Détroit avant d’ensuite partir pour Vancouver en 1995. Une fois sur la côte ouest, les Venus Kids approfondissent leur mission en explorant de nouvelles avenues de performances et d’activités médiatiques, incluant la création d’une maison de drag officielle et la production de plusieurs films et vidéos. Après vingt-ans passés à rehausser la culture queer underground canadienne, la House of Venus célèbre les moments marquants de son histoire avec une exposition d’artéfacts qui témoignent d’un quart de siècle d’efforts pour changer le monde.

Le festival Wiggle
Créé en 1994 par la House of Venus et le Conseil des arts de Windsor, Wiggle est à ses débuts un défilé de mode annuel et un spectacle artistique pour lequel divers artistes et designers créent de l’art portable. Le collectif est grandement inspiré par plusieurs designers comme Thierry Mugler et Jean Paul Gaultier, la Factory d’Andy Warhol et les scènes drag, vogue et club new-yorkaises. Suite à l’arrivée de la House of Venus à Vancouver, Wiggle devient un événement annuel de levée de fonds et une soirée légendaire de la côte ouest pendant presque deux décennies. Après vingt ans, Wiggle débute un nouveau chapitre au Centre Never Apart de Montréal et, en 2019, célébrera son 25e anniversaire au Musée des beaux-arts.

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Nous reconnaissons que la terre sur laquelle nous nous réunissions pour cet évènement est située en territoire autochtone, lequel n’a jamais été cédé. Nous reconnaissons la nation Kanien'kehá: ka comme gardienne des terres et des eaux sur lesquelles nous nous réunissons aujourd'hui. Tiohtiá: ke / Montréal est historiquement connu comme un lieu de rassemblement pour de nombreuses Premières Nations, et aujourd'hui, une population autochtone diversifiée, ainsi que d'autres peuples, y résident. C’est dans le respect des liens avec le passé, le présent et l'avenir que nous reconnaissons les relations continues entre les Peuples Autochtones et autres personnes de la communauté montréalaise.

We would like to acknowledge that the land on which we gather for this event is located on unceded Indigenous lands. The Kanien’kehá:ka Nation is recognized as the custodians of the lands and waters on which we gather today. Tiohtiá:ke/Montreal is historically known as a gathering place for many First Nations. Today, it is home to a diverse population of Indigenous and other peoples. We respect the continued connections with the past, present and future in our ongoing relationships with Indigenous and other peoples within the Montreal community.
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