Vernissage : Erin Shirreff & Aegis @ PARISIAN LAUNDRY, Montréal [17 janvier]

Vernissage : Erin Shirreff & Aegis


504
17
janvier
17:00 - 20:00

 La page de l’événement
PARISIAN LAUNDRY
3550 Rue St.Antoine Ouest, Montreal, Quebec H4C 1A9
ERIN SHIRREFF

AEGIS
Michelle Grabner
Aneta Grzeszykowska
Ivy Haldeman
Karen Kraven
Dominique Sirois

ERIN SHIREFF

ENGLISH FOLLOWS

Parisian Laundry est heureuse de présenter la première exposition individuelle d’Erin Shirreff à la galerie. La nouvelle vidéo de Shirreff, Still, sera projetée dans le bunker, notre espace souterrain.

La vidéo met en scène des formes sculpturales faites par l’artiste qui ont été présentées dans plusieurs de ses œuvres bi- et tridimensionnelles antérieures. La recontextualisation de ces objets dans Still poursuit le traitement constant des formes se trouvant dans l'atelier de Shirreff. Still explore l’interaction de la lumière et du mouvement sur le sujet et la matière approfondissant l’intérêt de l’artiste pour la liminalité de la représentation.

Shirreff utilise la photographie, la vidéo et la sculpture dans son exploration de la dimensionnalité de la forme et de la portée de la perception. Avec une pratique artistique extensive et diverse, elle investigue notre expérience du tridimensionnel dans notre ère d’images fixes et en mouvement. À l’aide de thèmes récurrents sur la temporalité et la matérialité, le travail de Shirreff est un questionnement sur les écarts et les chevauchements, les disparitions, et l’espace intermédiaire situé à la lisière des objets et de leurs représentations.

Erin Shirreff, née en Columbie-Britannique, vit et travaille à New York (N.Y). Elle détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de Victoria, Victoria, B.C. (1998) et une maîtrise en beaux-arts (sculpture) de Yale University School of Art, New Haven, CT, (2005). Son travail a récemment été présenté dans des expositions individuelles au Palazzo De'Toschi, Bologne, Italie (2018); à Sikkema Jenkins & Co., New York, N.Y. (2018); à la Fonderie Darling, Montréal, QC (2017); à la Kunsthalle Basel, Bâle, Suisse (2016). Une exposition monographique de photographies, sculptures, et vidéos a été co-organisée par l’Institute of Contemporary Art, Boston, MA, et la Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, N.Y. en 2015-16. Shirreff a participé à de nombreuses expositions de groupe dont notamment Le lieu du film, KANAL-Centre Pompidou, Bruxelles, Belgique (2018); Slow Objects, The Common Guild, Glasgow, Écosse (2017); Gray Matters, Wexner Center for the Arts, Columbus, OH (2017); Photography Today: Distant Realities, Pinakothek der Moderne, Munich, Allemagne (2016); L’image volée, Fondazione Prada, Milan, Italie (2016); et Photo-Poetics: An Anthology, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, N.Y. (2015). Le travail de Shirreff se retrouve, entre autres, dans les collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, New York; du Centre Pompidou, Paris; du Los Angeles County Museum of Art, Californie; du Museum of Modern Art, New York; de l’Art Gallery of Ontario, Toronto et du Museum of Contemporary Art, Chicago.

***

Parisian Laundry is pleased to present Erin Shirreff’s first solo exhibition with the gallery. Shirreff’s new video, Still will be projected within the gallery’s subterranean bunker space.

This silent video features sculptural forms of the artist’s making which have been previously seen in her two- and three-dimensional works. The rephrasing of the objects in Still furthers the ongoing processing of forms within Shirreff’s studio. Still explores the interplay of light and motion on subject and matter delving further into the artist’s interest in the liminality of representation.

Shirreff uses photography, video, and sculpture in her extensive and diverse body of work to explore the dimensionality of form and the ambit of perception. With this media she investigates how we experience the three-dimensional in our era of still and moving images. Alongside recurring themes of time and materiality, Shirreff’s work is an inquiry into gaps and overlaps, disappearances, and the threshold space of the in-between with objects and their representation.

Erin Shirreff was born in Kelowna, British Columbia, Canada, and lives and works in New York City. She holds a BFA from the University of Victoria, Victoria, B.C. (1998) and an MFA in sculpture from Yale University School of Art, New Haven, Conn. (2005). Recent solo exhibitions of her work were held at Palazzo De'Toschi, Bologna, Italy (2018); Sikkema Jenkins & Co., New York, N.Y. (2018); Fonderie Darling, Montreal, QC (2017) and the Kunsthalle Basel, Switzerland (2016). A survey exhibition of photographs, sculpture, and video was co-curated by the Institute of Contemporary Art, Boston, Mass., and the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, N.Y. in 2015-16. Recent group exhibitions include Le lieu du film, KANAL-Centre Pompidou, Brussels, Belgium (2018); Slow Objects, The Common Guild, Glasgow, Scotland (2017); Gray Matters, Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio (2017); Photography Today: Distant Realities, Pinakothek der Moderne, Munich, Germany (2016); L’image volée, Fondazione Prada, Milan, Italy (2016); and Photo-Poetics: An Anthology, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, N.Y. (2015). Shirreff's work is in the permanent collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; the Centre Pompidou, Paris; Los Angeles County Museum of Art, California; The Museum of Modern Art, New York; Art Gallery of Ontario, Toronto; and Museum of Contemporary Art, Chicago, among others.

— AEGIS

ENGLISH FOLLOWS

Sous la protection de…
L’Égide d’Athéna.
Les grands récits du passé et du présent évoquent la notion d’égide comme un bouclier protecteur invisible prenant la forme d’une association ou d’un club, d’un culte, d’une religion, d’un corps gouvernant, d’un tribunal, d’un système de validation et de force, et en définitive, de quelque chose de plus grand que les simples mortels: une idéologie. Dans la mythologie grecque ancienne Athéna porte son égide en temps de guerre et certains disent en temps de paix. Décrite soit comme un vêtement en peau de chèvre avec des glands en or, soit comme un bouclier protecteur orné de la tête d’une gorgone, ou comme une combinaison des deux, l’égide d’Athéna, quelle que soit la forme qu’elle prenait, provenait du monde matériel tout en étant imprégnée de ses pouvoirs immortels.
Avec ses tableaux aux motifs de vichy et de tricot et ses couvertures au crochet transformées en sculptures de bronze, Michelle Grabner (Milwaukee, WI) adopte délibérément le langage de la peinture abstraite de grand format et le symbolisme historique et héroïque des bronzes figuratifs pour honorer la tradition de transmission et le travail domestique au sein même de l’espace de la galerie. Aneta Grzeszykowska (Varsovie, PL) présente deux œuvres de sa série des Beauty Masks, des portraits sobres de l’artiste dans des masques contraignants, ainsi qu’une œuvre de sa série Mama où la fille de l’artiste interagit avec une réplique en silicone de Grzeszykowska. Dans cette œuvre en particulier, elle pare sa mère de maquillage appliqué de manière chaotique, comme une peinture de guerre rose fuchsia. Grzeszykowska opère à la surface du soi et de la représentation du soi dans des séries qui sont à la fois obsédantes et sombrement humoristiques. Ivy Haldeman (New York, NY) crée sa propre symbolique complexe de la figure féminine. Dans Image Makers, Peach and Tan elle soustrait les corps mais laisse les costumes incarnés. Elle suggère également avec ironie des propositions sensuelles inattendues en érotisant de la malbouffe sur de larges tableaux. Karen Kraven (Montréal, QC) restructure des retailles de soie en un costume improbable, ses pièces de textile existant entre l’art de la couture et la sculpture abstraite. Des ceintures surdimensionnées et des chutes de tissu méticuleusement cousues inspirent une sensation de présence suspendue. Dominique Sirois (Montréal, QC) reprend l’histoire de Danaé dans une mosaïque en céramique fragmentée, évoquant à la fois la princesse mythologique sous une pluie d’or et les multiples représentations qu’en a faites Titien. Des masques de soudure en céramique qui semblent se fondre dans le mur procurent une sensation de protection incertaine.
Les œuvres de Michelle Grabner, d’Aneta Grzeszykowska et d’Ivy Haldeman sont exposées avec la collaboration de James Cohan Gallery, Lyles & King et Downs & Ross respectivement.
***
Under the protection of …
Athena’s Aegis.
Grand narratives of the past and present evoke the notion of aegis as a protective invisible shield in the form of an association or club, a cult, a religion, a governing body, a legal court, a system of validation and strength, and ultimately something greater than mere mortals: an ideology. In Classical Greek mythology Athena wore her aegis in times of war and some say in times of peace. It was either a goat skin garment with gold tassels, or a protective shield adorned with the head of a gorgon, or some combination of both. Regardless of what form it took, Athena’s aegis was of the material world yet imbued with her immortal powers.
Michelle Grabner’s (Milwaukee, WI) gingham and crochet pattern paintings and her afghan blankets transformed into bronze sculpture honour traditions and domestic labor within the space of the gallery. She intentionally adopts the languages of large-scale abstract painting and the historical and heroic symbolism of figurative bronzes. Aneta Grzeszykowska's (Warsaw, PL) works from her Beauty Masks series are sober portraits of the artist in constrictive masks, coupled with a work from her Mama series, where the artist’s daughter interacts with a waist-up silicon replica of Grzeszykowska. Here she is adorning her mother with dabs of unruly make-up applied as fuchsia war paint. Grzeszykowska operates on surfaces of the self and self-representation in series that are at once haunting and darkly humorous. Ivy Haldeman (New York, NY) creates a complicated symbology of the female figure. In Image Makers, Peach and Tan she removes the woman but leaves the suits embodied. She also invents unexpected sultry possibilities by eroticising a lowly comestible in large scale paintings. Karen Kraven’s (Montreal, QC) cuttings are reformed into a kind of unwearable silk costume. Her textile pieces exist somewhere between the art of the couturier and abstract sculpture. Oversize looped belts and meticulously sewn scraps of fabric invoke a sense of suspended presence. Dominique Sirois (Montreal, QC) takes up the story of Danaë in a fragmented form of gridded ceramic tiles, alluding to both the mythological princess showered in gold, as well Titian’s multiple depictions of her. Ceramic welding masks appear as if they are melting into the wall offering an uncertain sense of protection.

Artwork by Michelle Grabner, Aneta Grzeszykowska and Ivy Haldeman is exhibited courtesy of James Cohan Gallery, Lyles & King and Downs & Ross respectively.
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